Le Paris de Morissette


Les attentats qui ont frappé Paris depuis janvier 2015 ont inspiré des chansons à Tété (L'arme, jamais), Tryo (Charlie), Mathieu Chedid (Comme un seul homme), Jeanne Cherhal pour Johnny Hallyday (Un dimanche de janvier), Ibrahim et Amin Maalouf pour Louane (Un automne à Paris) ou Renaud dont on sait que le prochain album contiendra deux titres dédiés aux victimes de ces barbaries, J'ai embrassé un flic et Hypercasher. Une jeune artiste québécoise, Geneviève Morissette, installée à Paris pour tenter d'y faire carrière, propose une courte complainte sobrement intitulée Paris (pour l'écouter c'est ici), écrite après la tuerie du Bataclan, alors qu'elle se trouvait elle-même prisonnière d'une salle de spectacle, le Divan du Monde, où elle dut passer l'essentiel de cette nuit d'effroi, rentrant chez elle au petit matin, à pied, dans une ville assommée. Quelques jours plus tard, elle la chantait, encore bouleversée, à la délégation du Québec à Paris où elle était invitée pour une cérémonie. «Quand j'repartirai chez moi / J'me souviendrai comme t'as souffert / Mais personne ne pourra / Paris, éteindre tes lumières...» Cette chanson tout en droiture naturelle, sincérité directe, sans détour, enrichira son premier album ME V'LÀ qui doit sortir en avril au Québec, étant disponible en France depuis août 2015.

Baptiste Vignol

Beau et bizarre


Sorti en septembre 2015, l'album s'appelle SALTOS, peut-être parce qu'il raconte des histoires périlleuses parfois, mais où le narrateur (dix chansons sur douze sont écrites à la première personne du singulier) ne perd jamais pied, même lorsqu'il se transforme en… chaise (Une autre fois)! La pochette du disque montre une peinture de Thomas Lévy-Lasne. Dépliée, on y voit Perez dans une piaule en bazar, MacBook sur le parquet, éclairé par une lumière blafarde tandis qu'à côté, dans une pièce voisine, de jeunes gens dansent, boivent et s'embrassent dans une pénombre bleutée. Les chansons de Perez ont le charme immédiat de la nouveauté, quand on peut encore en espérer le bonheur avant qu'elle ne dévoile à nu, ses vêtements tombés au sol, l'éternelle monotonie de la passion dont parlait ce cher Flaubert. Tout flamboie ici, la voix, ronde et sûre, les musiques moelleuses, électriques et sexy, les chœurs, sensuels, les mots, modernes et choisis, l'écriture, terre à terre, narrative, sans ce petit égoïsme tranquille qui mine tant d'inspirations aujourd'hui… Les enfants nés à l'aube des années 2000 auraient-ils enfin trouvé leur Bashung, leur Christophe, leur Daho ? Que Julien Perez, 29 ans, ne figure pas parmi les nominés des prochaines Victoires de la Musique montre à quel point ce métier marche sur la tête.

Baptiste Vignol


Le grand n'importe quoi


Tant qu'il n'y aura que trois nominés par catégorie, les Victoires de la Musique proposeront une sélection bancale, quand elle n'est pas absurde: Vianney en piste pour être le chanteur de l'année, dès son premier album, sans passer par la case «révélation»... Pas là! Demandez à dix personnes dans la rue si elles connaissent Vianney, neuf vous répondront «non». Avec un postulant supplémentaire (l'idéal serait deux de plus, comme le font les Québécois au Gala de l'Adisq en présentant cinq nommés par «famille»), sans doute William Sheller concourrait-il cette année, lui dont l'album, STYLUS, est le plus beau de 2015. Avec celui de Bastien Lallemant, LA MAISON HAUTE, c'est vrai. Bizarre aussi l'absence de Charles Aznavour (ENCORES)… Les votants écoutent-ils les disques qu'ils sont sensés sélectionner? Dominique A, Charles Aznavour, Kendji Girac (1,5 millions d'albums vendus à 19 ans, pourquoi ignorer ce phénomène?), Bastien Lallemant et William Sheller ! Franchement, cette andouillette AAAAA aurait une autre allure que la saucisse feuilletée Dominique A / Kendji / Vianney qui sera servie le 13 février.
Côté chanteuse de l'année, Véronique Sanson, qui n'a rien produit de neuf depuis 2010 (PLUSIEURS LUNES), pourrait décrocher le trophée! Sur le seul exploit d'avoir cartonné en tournée. Aberrant. À ce train-là, Patrick Bruel concourra en 2017 au titre du meilleur album de l'histoire pour son «Barbara» à la con… Véronique Sanson, Yaël Naim et Zaz sont pourtant les trois élues. Cette dernière n'ayant sorti qu'un live en 2015 (SUR LA ROUTE) ! D'accord. Mais la Grande Sophie (NOS HISTOIRES)? Mais Izia (LA VAGUE) - qui pour la première fois chante, et en français? Mais Zazie (ENCORE HEUREUX)? Mais Claire Diterzi (69 BATTEMENTS PAR MINUTE)?
Rayon «Révélations» enfin (car il y aurait tant à redire sur chacune des propositions…), on nous annonce Louane, Jeanne Added et Jain. Ouf! Nous avons échappé à Lilian le fromager. Mais il aurait été logique d'y voir, là, figurer Vianney, ainsi que Pérez, par exemple. Sinon, pas de Victoire concernant la francophonie, ni d'autre consacrant les comédies musicales, ces spectacles qui font souvent salles combles et vivre des centaines d'intermittents… Pour départager les meilleurs acteurs et actrices du cinéma français en 2015, les Césars alignaient sept noms par catégorie! Mais les gens des Victoires sont des bêtes de trait qui labourent piteusement la variété, derrière leurs œillères.

Baptiste Vignol

«Allô, Monsieur Giraud?”


Hubert Giraud vivait à Montreux. Il est mort le 16 janvier… Presque centenaire, sa mémoire était ébouriffante. C’est, pour ne point trop le fatiguer, en cinq entretiens téléphoniques d’une demi-heure chacun que nous avons, en mai 2015, survolé sa carrière, évoqué ses rencontres (d’Édith Piaf à Céline Dion en passant par Ray Ventura, Dalida ou Claude François) et l’écriture de ses plus fameuses chansons. S’il fut le compositeur d’un standard absolu, on lui doit également cinq ou six succès inoxydables ainsi qu’un tube planétaire (n°1 dans 10 pays) dont Hubert Giraud a signé les paroles et la musique. Ah oui ! Il fut aussi le seul Français à avoir gagné l’Eurovision (en 1958) et son pendant nippon, le Yamaha Music Festival (en 1982). Mais c’est un détail. « Allô, Monsieur Giraud ?... »

*

Vous êtes né en 1920 à Marseille, c’est bien ça ?
Exact. Je vais avoir 96 ans.

Et quelle musique les enfants des années 20 écoutaient-ils ?
À cette époque, on écoutait les chansons qui se trouvaient dans les films, les « musicals ». Le cinéma est devenu parlant en 1927. Le premier film que j’ai vu, ça a été Le Chanteur de jazz. Un film américain, The Jazz Singer, avec Al Jolson. Je m’en souviens très bien. J’étais allé le voir à Marseille en 28 avec ma mère. Et nous y étions retournés deux ou trois fois. Il y avait des chansons à l’intérieur, dont une faisait : « Mummy, oh mummy ! » (Rires)

Ça me dit quelque chose !
Vous voyez ! (Rires) Elle n’était « blue » la mummy, mais enfin, ça faisait ça. Il y avait des danseurs… C’était un film très moderne à l’époque.



Est-ce ce film qui vous a donné la vocation ?
Pas du tout. Ça n’est pas une chose à laquelle on pense quand on est petit ! C’est bien plus tard, en Amérique du Sud, que j’ai pensé écrire des chansons…

Jouiez-vous d’un instrument ?
D’aucun instrument, jusqu’à 10 ans. Mais ma mère jouait du piano, donc je pianotais un peu. Peu après ma naissance, mes parents sont partis à Strasbourg où mon père était courtier. Il gagnait très bien sa vie, mais il est mort à 26 ans dans un accident de voiture. J’avais 5 ans et demi. Nous sommes après son décès redescendus à Marseille où nous avions de la famille. Puis, alors que j’avais 9 ans, ma mère a acheté à Reims, la ville du champagne, un magasin de phonographes et de disques. À l’époque, tout le monde n’avait pas de phono chez soi, on pouvait donc aller dans les magasins acheter des jetons et écouter des disques dans des phonos mis à la disposition des clients. C’était un peu l’ancêtre du juke-box. Dans le magasin de ma mère, il y en avait une dizaine. Puis nous sommes allés à Paris, en 1930. Comme j’étais asthmatique, mon oncle, qui était médecin, avait dit : « Il faudrait qu’il joue d’un instrument aller-retour », dans lequel je doive souffler et inspirer. Je me suis donc mis à l’harmonica. J’ai appris à en jouer tout seul. C’était un harmonica chromatique, avec les dièses et les bémols. Je jouais dans les cabinets parce que ça résonne ! Voilà comment je me suis mis à la musique, sans jamais l’étudier. Plus tard, j’ai appris à l’écrire pour me souvenir des musiques que je composais. Mais j’ai beaucoup de difficulté à la lire.

Votre goût pour la musique, vous le tenez donc de votre maman !
Elle m’a eu à l’âge de 18 ans. Elle était un peu artiste, très jeune d’esprit. Mais je vais vous dire : je suis né compositeur. Quand j’avais 5 ans, je m’en souviens encore, j’« entendais » de la musique, et je pensais que tout le monde était pareil. Dans la rue, quand je marchais, j’entendais une musique que je chantonnais. Il y a des gens qui sifflent quelque chose qu’ils connaissent, moi, je composais. Sans le savoir. Jusqu’au jour où je me suis dit : « Mais je fais de la musique ! »

Quelles furent vos premières idoles ?
Moi, j’aimais le jazz. J’allais donc chaque semaine au cinéma voir ou revoir des films américains, car le Français, à cette époque-là, n’avait pas l’oreille musicale, il n’était pas très musicien. Nos chansons étaient jouées à l’accordéon, alors qu’avec les Américains, ça swinguait. La grande vedette du cinéma français, c’était Maurice Chevalier ; mais c’était aussi une vedette internationale. Ses chansons étaient pas mal, les compositions étaient bonnes. Quand c’était jazzy, ça me plaisait.

Comment avez-vous intégré le Quintet du Hot Club ?
Je n’ai joué que trois ou quatre fois avec le Club ! J’avais 15 ans, j’allais dans une boîte, rue Pierre Charon, dont j’ai oublié le nom… C’était il y a quatre-vingt ans ! Ça va peut-être me revenir. Un club très réputé où les gens dansaient sur la musique du Hot Club de France. Comme j’étais harmoniciste et qu’il n’y en avait pas beaucoup à l’époque, il m’est arrivé d’aller faire un chorus avec eux. C’est à cette occasion que j’ai pu côtoyer Stéphane Grappelli, Django Reinhardt… Sans plus. Mais c’est Louis Vola, un des musiciens du Hot Club, qui plus tard a parlé de moi à Ray Ventura.



L’orchestre de Ray Ventura cassait la baraque à l’époque.
Ils étaient très connus! Depuis le milieu des années 30, Ray Ventura et ses Collégiens faisaient beaucoup de tournées en France, mais ils passaient aussi à l’Empire, à l’Olympia... Ils comptaient beaucoup de succès : « Ça vaut mieux que d’attraper la scarlatine », « Tout va très bien, madame la Marquise »...
En 1940, je me suis engagé comme tous les jeunes pour la guerre, mais la France étant immédiatement occupée, je suis parti à Marseille, en zone libre, où j’avais de la famille. C’est là que j’ai rencontré Ray Ventura. Il avait un contrat pour aller à Rio de Janeiro, en novembre 41. Il m’a convoqué après une séance, j’ai joué quelques morceaux et il m’a dit : « Tu commences demain, mais si tu veux venir en Amérique, il faut que tu apprennes un autre instrument pour que ce soit “rentable”. » Le spectacle durait 2h15, avec entracte. Sur scène, il y avait deux trombones, trois trompettes, quatre saxos, la batterie, deux ou trois musiciens polyvalents qui pouvaient jouer du violon sur les chorus… On jouait du jazz, « Rhapsody in Blue », il y avait des sketches. Moi, outre l’harmonica, je tapotais un peu de la guitare… Ventura m’a obtenu une autorisation pour quitter la France et sur le bateau, pendant la traversée, Henri Salvador m’a appris à jouer de la guitare. Lui aussi venait d’intégrer l’orchestre, tout comme Micheline d’ailleurs, la sœur de Mireille, qui était la chanteuse de l’orchestre.

Cela devait être éblouissant d’arriver à Rio à cette époque, et à votre âge !
L’Europe était occupée, j’avais 21 ans, et on débarque au Brésil! C’était merveilleux. À 15 kilomètres au large de Rio, on voyait déjà sur l’océan les reflets de toutes les réclames en néons! Rio ressemblait à Paris avant la guerre. C’était très émouvant. On avait un premier contrat de trois mois dans un casino, puis on est partis à Montevideo, puis à Buenos Aires. En deux ans et demi, on a fait presque toute l’Amérique du Sud. Mais Ventura était très connu. Il ne faut pas oublier que « Tout va très bien, madame la Marquise » était un succès mondial!

Est-ce à ce moment-là que vous commencez à composer des musiques ?
Non. Ray Ventura avait son compositeur, et quel compositeur : Paul Misraki ! Et puis l’orchestre s’est défait, et chacun a fait son boulot dans son coin. Salvador marchait fort en tant que comique, il était très réputé. Moi, je suis resté à Buenos Aires jusqu’en 1949. J’ai joué dans différents orchestres, dont un quintet style tzigane dans une boîte russe de Buenos Aires avec deux autres musiciens de Ventura. C’est en rentrant en France en 49 que j’ai commencé à écrire des chansons. Je ne voulais plus être musicien d’orchestre, parce que tous les soirs, c’est fatigant… J’avais de l’argent de côté, 15 000 $, de quoi vivre pendant un an. Alors j’ai monté le trio Do-Ré-Mi pour lequel il fallait écrire des chansons, et ça a tout de suite marché ! J’avais créé ce trio avec Roger Lucchesi, un ancien de Ventura, et une chanteuse qui s’appelait… Oh, merde ! (Hubert Giraud essaie de se souvenir…) Ça a été ma première femme ! (Hubert Giraud éclate de rire.) Elle s’appelait… Annie ! Annie Rouvre. Certains soirs, on faisait deux ou trois boîtes dans Paris. Ça marchait bien. À la même époque, je fréquentais Jacques Hélian aussi, et je travaillais sur les musiques de deux films de Georges Combret, Musique en tête (avec Jacques Hélian, Irène de Trébert et Ginette Garcin, 1951) et Tambour battant (avec Louis de Funès, 1952).

Quelle mémoire !
Ça dépend.


Quel fut votre premier succès ?
« Aimer comme je t’aime », qu’avait chantée Yvette Giraud. Je l’avais rencontrée au Brésil ; nous n’avions aucun lien familial. Yvette Giraud était une très grande vedette [décédée en 2014 à l’âge de 97 ans, ses premiers succès furent « Joue contre joue » en 1946, « Mademoiselle Hortensia » en 1947, « Ma guêpière et mes longs jupons » en 1949]. « Aimer comme je t’aime » était une chanson de style américain, que j’avais faite avec Robert Lucchesi. Ça n’a pas été numéro 1, mais ça a bien marché. À l’époque, on ne vendait pas beaucoup de disques. Quand on en vendait 40 000, c’était déjà un succès.

Comment travailliez-vous ?
Je composais sans écrire. Une idée me venait, je la répétais, sans la chanter à haute voix, ni la fredonner. Dans ma tête. En silence. Si elle restait, je la notais. Les paroles venaient après. Je trouvais souvent le titre. « Aimer comme je t’aime » par exemple, je l’ai composée en pensant au titre. Ensuite j’ai écrit les deux ou trois premiers vers et Robert (Lucchesi) a écrit le reste en signant les paroles, ce qui m’allait tout à fait. Plus tard, il m’arrivera d’écrire des paroles, mais j’ai toujours préféré laisser cette tâche à des paroliers, en ayant souvent ébauché le premier quatrain pour leur donner une idée du style de chanson que je voulais. Après, je demandais à tel ou tel auteur s’il voulait bien y travailler. Mais avant de pouvoir solliciter des paroliers, il y a eu « Sous le ciel de Paris » qui m’a bien aidé!


Effectivement. Quelle est l’histoire de cette chanson ?
Je venais de gagner le Grand Prix de Deauville, un concours annuel, où j’avais rencontré Jean Dréjac [né en 1921, il avait déjà écrit « Ah ! Le Petit Vin blanc » en 1943, « Le P’tit Bal du sam’di soir » en 1946…]. Lui, venait de gagner le Prix de l’ABC avec « La Chanson de Paris ». Julien Duvivier tournait alors un film, qu’il appellerait Sous le ciel de Paris. Voyant dans le journal que Dréjac avait gagné un prix avec une chanson sur Paris, il l’appelle et lui demande de venir la lui chanter car Duvivier cherchait encore le thème musical de son film. Plutôt que d’aller la lui chanter a cappella, il m’appelle et me demande d’y aller avec lui pour l’accompagner à la guitare. J’habitais Auteuil et Dréjac, porte Dorée. Je vais chez lui en voiture, dans ma 4CV Renault, il me montre sa chanson, j’apprends les accords et on part retrouver Duvivier qui tournait sur les quais de Bercy. Dréjac lui présente sa chanson et Duvivier répond : « Ça n’est pas ce que je recherche, j’ai besoin de quelque chose de mélancolique. Si une idée vous vient, nous travaillons les jours prochains au Jeu de paume, en extérieur. » Là, je lui demande : « Quel titre aura votre film? » « On hésite encore. À Paris coule la Seine, Sous le ciel de Paris » Là-dessus, je retourne vers ma voiture qui se trouve à 200 mètres et, en marchant, alors que je pensais à la phrase « Sous le ciel de Paris » m’est venue la musique, celle du refrain. Deux minutes après, je dis à Dréjac qui m’avait rejoint : « Écoute, j’ai trouvé quelque chose », et je lui chante le refrain : « Sous le ciel de Paris / Ta ta ta ta ta ta/ Ta ta… » Il me dit : « Ça me va très bien ! » Il note le nombre de pieds, un, deux, trois, quatre, cinq, six, je compose la musique du couplet dans la voiture, et je dépose Dréjac au bar d’un théâtre où il avait rendez-vous avec une fille. Le soir-même, il me téléphone : « J’ai écrit des paroles dessus!» Nous revoilà le lendemain au Jeu de paume pour montrer la chanson à Duvivier. Il avait garé sa Chrysler en haut des escaliers, juste au-dessus de la place de la Concorde où il y avait un peu de trafic, ce qui faisait un ronron. On s’est donc installés dans sa voiture, vitres fermées, pour la lui chanter. Moi assis à l’arrière à la guitare, Duvivier à la place du chauffeur et Dréjac, à ses côtés. Duvivier nous dit : « La musique me plaît beaucoup, mais je voudrais encore un peu plus de mélancolie dans les paroles. » Dréjac change deux ou trois mots, et on y est retourné le lendemain. Là, ça a été ok. Cette chanson, c’est un coup de pot. Elle m’est venue comme ça, en marchant.
Le film est sorti en [mars] 1951 et n’a pas eu beaucoup de succès, pas plus que la chanson interprétée par Jean Bretonnière que j’accompagnais à la guitare. Sauf qu’ensuite, elle a été enregistrée par Anny Gould d’abord, puis par Juliette Gréco [en novembre 51], et là, tout a démarré. Édith Piaf, Yves Montand, Les Compagnons de la Chanson l’ont enregistrée, et c’est devenu un succès aux États-Unis où elle a été jouée par des jazzmen comme Duke Ellington, Toots Thielemans, Michel Legrand. Après, Bing Crosby, Paul Anka, Andy Williams, Julio Iglesias l’ont chantée. C’est petit à petit devenu un standard, autrement dit une chanson qui a toujours été jouée, et qui le sera encore dans cinquante ans.

Connaissez-vous la version de Zaz sortie en 2015 ?
Oui, je l’ai reçue. Elle l’a faite à sa manière. Mais j’en possède plus d’une centaine de versions, orchestrales, des adaptations… Rien que depuis le début de l’année [l’entretien s’est déroulé en mai 2015], il y en a eu trois. Sur soixante-cinq ans, c’est pas tant que ça. À peine deux par an, finalement ! (Rires)

Quelle est votre version préférée de Sous le ciel de Paris ?
Celle d’Édith Piaf.



Lui avez-vous écrit des chansons par la suite ?
C’était une femme très gentille, qui avait horreur d’être seule, alors quand elle était à Paris, elle disait : « Venez boire un pot ce soir ! » et on se retrouvait à 18 ou 20 dans son salon. Des gens qui n’étaient pas forcément du métier d’ailleurs. Avec Michel Rivgauche, on lui a fait « Mea Culpa ». «Les Grognards» avec Pierre Delanoë... Je ne me le disais pas à l’époque, mais quelle fierté d’être chanté par Piaf!

À partir du milieu des années 50, grâce au succès de Sous le ciel de Paris, vous devenez un compositeur courtisé ! Dalida, Gloria Lasso, Jean Sablon…
Dalida était une chic fille. On était très copains. Je lui ai écrit « Les Gitans » et « De Grenade à Séville » avec Pierre Cour, « L’Arlequin de Tolède » avec Jean Dréjac qui ont bien marché et l’ont aidée à se lancer. Mais pour Dalida, j’ai aussi travaillé avec Pierre Delanoë (« L’Amour chante »), Marc Fontenoy (« Buenas noches mi amor »)… Ça allait tout seul. Quand j’avais une chanson qui me paraissait intéressante pour elle, je lui téléphonais et elle me disait : « Mais passe à la maison! »


Et en 1958, vous gagnez l’Eurovision avec « Dors mon amour » qu’interprétait André Claveau !
Oui, c’était intéressant de gagner l’Eurovision. Mais j’ai concouru plusieurs fois à l’Eurovision, pour plusieurs pays. « Dors, mon amour », on l’avait écrite avec Pierre Delanoë. Il était mon aîné de deux ans. On s’entendait très bien.

Peu après, en 1959, vous avez vous-même enregistré vos chansons !
Ray Ventura avait sa marque de disques, Versailles, dont son neveu, Sacha Distel, était le directeur artistique. Sacha avait enregistré chez Versailles « Dors, mon amour » et m’avait demandé de faire un 45 tours 4 titres. Plus tard, pour Sacha, j’écrirai aussi « Oui, oui, oui, oui » (en 1959, avec Pierre Cour) et « Rien qu’un au revoir » (avec Maurice Tézé, en 1967).


Au tout début des années 60, vous ajoutez Dario Moreno et Luis Mariano à votre collection d’interprètes… Et pour Nana Mouskouri, vous écrivez « Toi que j’inventais » avec le parolier Maurice Pon qui, lui, est votre cadet.
C’est vrai ça ! Il doit avoir un ou deux de moins que moi.

Il est d’octobre 21.
C’est un jeunot ! (Rires) C’était surtout un excellent parolier.

En 1960, vous avez écrit « Toi que j’inventais » pour Nana Mouskouri !
Celle-là, je ne m’en souviens pas. Mais il y a des chansons qui passent…

1963 est une date importante puisque vous signez un nouveau standard : « La Tendresse ».
Avec Bourvil, nous étions voisins et je me rappelle que mon éditeur l’avait appelé pour lui faire écouter. La musique, je l’ai faite comme ça, et je l’ai passée à Noël Roux, un méridional, sans lui donner d’indication ni de titre [en 1959, Noël Roux avait déjà écrit « Salade de fruits » pour Bourvil]. Il me dit : « J’ai eu un éclair, j’ai écrit la chanson en dix minutes ! Ça s’appelle “La Fête péruvienne” ! » Ça faisait (Hubert Giraud chante) : « C’est la fête péruvienne / Allons tous danser…» (Rires) Je l’ai arrêté en lui disant que ça ne me plaisait pas. Ma musique valait mieux. (Rires) Alors il est parti dans une autre direction. Ensuite, Marie Laforêt l’a enregistrée elle aussi [sur son premier 30 cm, fin 1964]. Marie, je l’avais connue dans un avion pour Rio. Elle avait très peur du décollage… Mais ça n’intéresse personne ce que je vous raconte là.


C’est à la même époque que vous travaillez avec un jeune auteur toulousain, Claude Nougaro.
Tout débutant, il était venu me trouver avec un texte qui s’appelait « Le Spoutnik ». Je lui avais dit que ça ne m’intéressait pas. Quelque temps après, on a fait quatre ou cinq chansons ensemble (« Pauvre Nougaro », « Regarde-moi », « La Marche arrière », « Parler aux femmes », « Les P’tits Bruns et les Grands Blonds »). On les avait écrites chez lui, il se remettait d’un accident...

En 1963, Claude François, déjà vedette, enregistre « Pauvre petite fille riche » dont vous avez écrit la musique.
Oui, il habitait à côté de chez moi, lui aussi. Je vais lui montrer cette musique, elle lui plaît, et il écrit les paroles avec Vline Buggy. [Hubert Giraud:] « Toute seule sur une place / Pauvre petite fille riche… » (Étonné) Je l’ai toujours en tête ! Pourtant, ça fait longtemps…  C’était le plus mauvais caractère du métier. Ce garçon se prenait très au sérieux, même avec ses auteurs. Il pouvait téléphoner à 3 heures du matin en disant : « J’ai une idée. Tu peux venir ? » Il me l’a fait une fois, mais pas deux. Je lui avais répondu : « Je veux bien que tu m’appelles pour travailler avec toi, mais tâche de le faire à une heure convenable ! »


Au cours des années 60, vous composerez aussi pour Hugues Aufray, pour Nana Mouskouri, pour Mireille Mathieu et pour France Gall : « La Manille et la Révolution », que vous signez avec Boris Bergman.
France Gall, je l’ai connue quand elle avait 6 ou 7 ans ! Une de mes filles a le même âge. Robert Gall, son père, était parolier. Il avait écrit « La Mamma » pour Aznavour. Bien sûr, on se connaissait et nous fréquentions la même plage à Cannes. Il s’est occupé des premières chansons de sa fille, « Sacré Charlemagne », etc., et ensuite, tout le monde lui a couru derrière.

1967 est l’année de votre troisième immense succès : « Il est mort le soleil ».
Pour Nicoletta, qui avait une très, très belle voix. Mais comme d’habitude, quand je l’ai écrite, je ne savais pas quel serait l’interprète, ni même qui signerait les paroles ! C’est Pierre Delanoë qui les a écrites. Un soir, au Québec je crois, Ray Charles l’a entendue chantée par Nicoletta. Il a alors demandé l’autorisation d’en faire une adaptation, et ç’est devenu The Sun Died. Du coup, Tom Jones l’a enregistrée lui aussi ! [Puis les chanteuses de jazz Betty Carter en 1975 et Shirley Horn en 1993.] Un beau succès, oui.


Et quatre ans plus tard vous remettez ça, avec « Mamy Blue », dont vous signez aussi les paroles.
Le titre et la musique me sont venus dans un embouteillage, je ne peux pas vous en dire plus. Comme ça lui avait plu, Eddie Barclay l’avait faite enregistrer en anglais à Joël Daydé. Mais ce sont les Top-Pops qui en ont fait un succès mondial ! [n°1 en Allemagne, en Autriche, en Belgique, au Brésil, au Danemark, en Italie, au Japon, en Suède, en Suisse ; n°2 en Australie, Espagne, en France, n°3 aux Pays-Bas, n°4 en Finlande, n°30 en Angleterre, n°57 aux États-Unis]. La version de Nicoletta est sortie après [n°1 en France en novembre 71]. Il y a eu quatre versions différentes dès sa sortie. Au Drugstore des Champs-Élysées, il y avait à l’époque un hit-parade des ventes : « Mamy Blue » était aux quatre premières places ! Plus tard, Dalida l’a chantée en italien, puis Julio Iglesias et Demis Roussos l’ont reprise en anglais…

Est-ce la chanson qui vous a rapporté le plus d’argent ?
Non, ça reste « Sous le ciel de Paris ». « Mamy Blue », c’était une sorte de « nouveauté », qui a très, très bien marché. Mais « Sous le ciel de Paris », ça ne faiblit pas.


Les années 70 se poursuivent alors avec Nicole Croisille essentiellement : « Il ne pense qu’à toi (Parlez-moi de lui) » que vous écrivez avec Jean-Pierre Lang, « J’aimais un fou » avec Claude Lemesle en 1974, « La Femme et l’enfant » avec Jean-Loup Dabadie en 1977… Et vous rencontrez en 1982 Céline Dion !
« La Femme et l’enfant », je l’ai écrite avec Eddy Marnay. Avec Eddy, nous avions déjà travaillé ensemble pour Nicole Croisille (« Tu m’avais dit », en 1975) et pour Nana Mouskouri (« L’Enfant et la Gazelle », 1968). Au Canada, Céline Dion était déjà la Petite fille de la chanson. Elle avait 14 ans. « La Femme et l’Enfant » a très bien marché car elle la chantait pour sa mère. Ça touchait les gens. À Tokyo, où elle a reçu un prix avec cette chanson (au Yamaha Music Festival), elle avait également chanté « Mamy Blue ».

Lui avez-vous proposé d’autres chansons ?
Non. C’est à cette époque-là qu’après notre mariage, mon épouse et moi avons quitté la France pour l’Espagne où nous sommes restés une dizaine d’années. Je n’ai donc plus écrit pour Céline.

Mais vous avez en quelque sorte terminé une carrière extraordinaire d’auteur de chansons en signant le premier gros succès de celle qui deviendra la plus grande star de la variété mondiale, Céline Dion.
Si vous le dites, ça me va bien !


Vous avez cosigné des chansons avec quelques-uns des plus grands paroliers français, Jean Dréjac, Pierre Cour, Pierre Delanoë, Vline Buggy, Boris Bergman, Michel Rivgauche, Claude Lemesle, Maurice Pon, Eddy Marnay, Jean-Loup Dabadie, Jean-Pierre Lang, Claude Nougaro… Y en a-t-il un avec lequel vous avez préféré travailler ?
J’ai eu la chance, c’est vrai, de travailler avec les meilleurs. Il ne s’agit pas d’une préférence, mais je peux simplement dire que Pierre Delanoë était impressionnant : il travaillait très, très vite. Parfois, j’allais chez lui le soir parce qu’on avait une chanson à faire. On aurait pu y passer une partie de la nuit. Mais elle était souvent terminée avant la fin du repas !

Parmi toutes vos chansons, laquelle aurait votre préférence ?
Je ne peux pas vous dire ! Celles que j’ai écrites jusqu’au bout, c’est parce qu’elles me semblaient bien. Quand on fait une chanson, on cherche le succès. Faire une chanson qui ne marche pas, il n’y a rien de plus terrible. Ça vous coupe le moral ! (Rires) En tout, j’ai dû en déposer moins d’une centaine alors que j’en ai peut-être écrit deux mille. Elles ont chacune leur histoire.

(Entretien Baptiste Vignol)